Сокровища Дрезденской галереи



А. Замятина


   Основание знаменитой Дрезденской галереи относится ещё к пятнадцатому веку. Город Дрезден был тогда столицей Саксонии; саксонские курфюрсты в своей сокровищнице, которая называлась "Кунсткамере", собирали разные драгоценности, парадное вооружение, редкие раковины, камни и другие диковины: было там и несколько картин, но ценились они не выше остальных сокровищ "Кунсткамеры".
   Слава Дрезденской галереи начинается с восемнадцатого века. В то время в Европе появилась мода украшать дворцы произведениями искусства. Короли и князья соперничали в этом друг с другом. Саксонские курфюрсты стали скупать картины знаменитых художников. Из этих произведений и была устроена придворная галерея, а через сто лет, с девятнадцатого века, Дрезденская галерея была превращена в музей. В ней были собраны картины самых знаменитых художников разных стран, и она прославилась на весь мир.
   Незадолго до конца Великой Отечественной войны части Советской Армии подходили к Дрездену. Этот город долго бомбила американская авиация, много прекрасных зданий, дворцов, музеев было разрушено. Как только советские войска заняли Дрезден, один батальон был спешно послан к зданию, где находилась знаменитая картинная галерея – гордость всего культурного человечества. Разбитое, обгоревшее здание было пустым, картины исчезли. После настойчивых розысков удалось открыть под зданием музея замурованный ход в подвал, а там, в этом подвале, зашифрованные документы и планы тайников, где были спрятаны картины. По этим планам картины и были найдены. Одни – в заброшенной штольне, другие – в затопленном штреке известняковой шахты, а некоторые – на чердаке старого замка. Подступы к тайникам были заминированы: фашисты хотели взорвать, погубить эти сокровища искусства! Этому чудовищному злодейству помешали воины Советской Армии. Но и без взрыва картинам грозила гибель, если б они долго пробыли в тайниках. Для картин, особенно старинных, опасна сырость и темнота. Дерево разбухает и коробится, холст сыреет, слой краски покрывается трещинами и разъедающей плесенью.
   Картины уже начали разрушаться. Советское командование приняло срочные меры для их спасения. Выли вызваны специалисты-искусствоведы и художники-реставраторы: они оказали "первую помощь" картинам. Чтобы прекратить разрушение, все картины протерли особыми составами, с помощью специального клея наложили на них защитные пластыри, и картинам стала неопасна перевозка.
   Комиссия, в которую вошли представители общественности Дрездена, тщательно составила опись всех картин, и они были направлены на хранение в Советский Союз, где им уже не грозили случайности и опасности войны. Осенью 1955 года спасённая галерея была перевезена в Дрезден.
   А перед этим более 500 картин Дрезденской галереи выставлялись в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Здесь показаны некоторые из этих картин. О них и пойдёт речь.

   Пинтуриккио. Портрет мальчика. Ок. 1480

   "Портрет мальчика" написан в пятнадцатом веке итальянским художником Пинтуриккио. Мы не знаем теперь, кто был этот мальчик и почему был написан с него портрет. Но картина вот уже более пяти веков привлекает всеобщее внимание. Всмотритесь в портрет! Художник сумел передать, что в мальчике этом происходит большая и важная перемена. Детское лицо его серьезно, глаза задумчивы. Видно, что он вступил в ту пору жизни, когда кончается беззаботное детство и человек взрослеет, серьёзно и глубоко задумывается о жизни. Пинтуриккио изобразил мальчика на фоне пейзажа: тихая река, голубые горы, деревца – тонкие, по-весеннему прозрачные, такие же юные, как мальчик. Чувствуется, что и в природе и в человеке пробуждаются новые жизненные силы.
   Пинтуриккио жил в начале той эпохи, которая названа в истории эпохой Возрождения. В течение многих веков до этого люди были скованы властью церкви, жестокими требованиями религии. Все земное считалось чем-то греховным, презренным: и красота, и веселье, и даже наука. Эпоха Возрождения названа так потому, что люди того времени восстали против гнёта церкви и феодалов и человечество, освободившись от многих суеверий, возродились к жизни. Начался расцвет науки и искусств.
   Картине Пинтуриккио присущи черты эпохи Возрождения – интерес к людям, к жизни, внимание к чувствам и переживаниям человека.
   Один из самых великих художников Возрождения – Рафаэль Санти. Ещё при жизни слава Рафаэля была, так велика, что никто не называл его по фамилии. Когда говорили "Рафаэль", каждый понимал, о ком идёт речь, хотя это совсем не редкое имя в Италии. И вот уже много веков люди во всех странах называют его просто по имени: Рафаэль.

   Рафаэль. Сикстинская мадонна. Фрагмент. 1513–1514

   Самая знаменитая картина Рафаэля – это так называемая "Сикстинская мадонна". Рафаэль часто писал изображения богоматери, или, как говорят в Италии, мадонны.
   Нужно помнить, что в те времена влияние религии на людей было ещё сильно. Художники часто брали сюжеты из христианских легенд, потому что они были знакомы каждому. Но художники Возрождения в своих картинах по-новому использовали религиозные сюжеты. Они старались передать людям какую-нибудь большую моральную идею, рассказать о высоких, благородных чувствах: о верности убеждениям, о любви к людям, о сострадании... Они изображали черты характера обыкновенных живых людей.
   "Сикстинская мадонна" – это картина, рассказывающая о подвиге матери. По легенде, сын мадонны Христос ради людей пошёл на мучительную смерть. Вглядитесь внимательно в мадонну Рафаэля, в её лицо. Как нежно и крепко держит она сына, как она его любит, как горда им! Но в её больших, прекрасных глазах затаилась печаль. Она боится за судьбу сына и знает, что впереди его ждёт страдание. И всё же она не прячет мальчика, она несет его людям, она отдаёт им самое дорогое, что у неё есть, – своё дитя. А младенец серьёзно, пристально и бесстрашно глядит вперёд.
   В верхней части картины Рафаэль изобразил занавес, который будто только что раздвинулся, и стало видно, как идёт к людям мадонна с младенцем на руках, легко и стремительно ступая по облакам маленькими босыми ногами.
   И мать и дитя проникнуты самыми светлыми, чистыми и благородными человеческими чувствами – самопожертвованием, готовностью к подвигу, любовью к людям. Художник с такой силой и правдивостью выразил красоту этих чувств, что его картина понятна и дорога всем людям.

   Паоло Веронезе. Мадонна с семейством Куччина. Ок. 1571

   В Дрезденской галерее есть картины другого итальянского художника, Паоло Веронезе, который жил и работал в Венеции несколько позже Рафаэля. Здесь помещена репродукция его картины "Мадонна с семейством Куччина". В то время богатые и знатные горожане часто заказывали знаменитым художникам групповые семейные портреты. Принято было изображать семью на молитве, а чтобы видно было, кому молятся, тут же изображались и святые. Так и сделал Веронезе. Слева на его картине мадонна, справа – семья Куччина. Три женщины на заднем плане – это аллегорические фигуры трёх добродетелей: Веры, Надежды и Любви.
   Силой своего гения Веронезе превратил эту обычную для того времени тему в интересный и живой рассказ о людях. Посмотрите на маленьких Куччина. Веронезе. Мадонна с семейством Куччина. Одному из них, как видно, надоело стоять смирно, молитва скучна ему. Он спрятался за колонну и поглядывает по сторонам. Второй мальчик ведёт себя тихо и чинно, как велела мать. А самый младший совсем не интересуется, чем заняты взрослые. Ему нравится собака, он сел на пол и тянется к ней...
   Такие бытовые, житейские подробности Веронезе любил вводить даже в картины, которые он писал для церквей и монастырей. За это его привлекли к церковному суду, суду инквизиции. Веронезе, правда, не приговорили к сожжению на костре, но подвергли каре, необычайно тяжёлой для художника: заставили переписать картину, переделать ее по вкусу монахов-заказчиков.
   На два столетия позже Веронезе жил в Венеции Джованни Каналетто, замечательный пейзажист. Он больше всего любил изображать свой родной город. Венеция не похожа на другие города. Она вся изрезана каналами. Там есть улицы без тротуаров и без мостовых, стены домов поднимаются прямо из воды, а люди по этим улицам плавают на лодках, которые называются гондолами.

   Дж. А. Каналетто. Площадь перед церковью Г. Джованни э Паоло. 1747

   Картина Каналетто "Площадь перед церковью Г. Джованни э Паоло" переносит нас в Венецию восемнадцатого века. На площади гуляют горожане. По каналу скользят гондолы и медленно плывут грузовые баржи. Канал с гондолой – левая часть картины. А в правой её стороне вы можете рассмотреть памятник кондотьеру – наёмному военачальнику – Коллеони. Гипсовая копия этого памятника есть в Москве, в Музее изобразительных искусств.

   Лукас Кранах. Портрет герцогини Катарины Мекленбургской. 1514

   К замечательным картинам немецких художников шестнадцатого века, которые хранились ещё в "Кунсткамере" саксонских курфюрстов вместе с диковинными мирскими раковинами и хитрыми музыкальными шкатулками, относится написанный Лукасом Кранахом Старшим "Портрет герцогини Катарины Мекленбургской". Кранах тщательно выписывает богатое узорное платье и драгоценные украшения герцогини, изобилием их подчёркивая, какое высокое положение она занимает. По этому портрету видно, что она привыкла повелевать, что она горда, надменна. На её лице отражены холодное высокомерие и скрытность.
   Совсем иной характер раскрывается нам в портрете Шарля де Моретта, написанном другим немецким художником, Гансом Гольбейном Младшим.

   Ганс Гольбейн Младший. Портрет Шарля де Моретта. 1534–1535

   Шарль де Моретт, французский посланник в Англии, был человеком исключительной силы характера и разносторонних способностей. Современники восхищались смелостью, с которой он однажды привёл войска через опаснейший горный перевал. Шарль де Моретт так же умело командовал флотом, был талантливым и умным дипломатом. Портрет, написанный Гольбейном, показывает нам и мужество, и спокойный ум, и твёрдую волю де Моретта.
   Тут вы видите и работу величайшего художника Германии – Альбрехта Дюрера. Это портрет юноши, о котором не дошло до нас никаких сведений. Никто не знает, как его звали, кем он был. Картина Дюрера называется просто "Портрет молодого человека". Но когда глядишь на него, кажется, что знаешь всё о том, кто здесь изображён.

   Альбрехт Дюрер. Портрет молодого человека. 1521

   Это человек, страстно преданный своим убеждениям, решительный, энергичный, уверенно идущий к намеченной цели. Это не вельможа, не принц. Это человек из народа. Дюрер жил в то бурное и тревожное время, когда Европа была охвачена пламенем крестьянских воин. И народного вождя того времени представляешь себе таким, как юноша на портрете Дюрера.
   Так в старых портретах великих художников отражены и эпоха и человеческие характеры во всём богатстве и разнообразии.
   В Дрезденской галерее собрано много замечательных картин голландских художников семнадцатого века. Семнадцатый век – время наивысшего расцвета голландской живописи. После многолетней героической борьбы голландцы добились национальной независимости, изгнали испанских завоевателей, свергли феодальный строй и основали первую в истории человечества буржуазную республику.
   Наступил длительный мир. Голландия, республика купцов и ремесленников, богатела, процветала, и голландские художники с увлечением изображали в своих картинах это сытое изобилие, эту мирную жизнь.
   На картине художника Виллема Геды нет никаких людей: ни героев, ни мучеников, ни полководцев. Тарелки, ложки, опрокинутые бокалы и серебряная ваза, небрежно брошенные золотые карманные часы и надрезанный пирог с аппетитно подрумяненной коркой, с начинкой из ежевики. Картина так и называется: "Завтрак с ежевичным пирогом".

   Виллем Геда. Завтрак с ежевичным пирогом. 1631

   Кто ел этот пирог? Кто бросил небрежно часы, недоеденный пирог на серебряной тарелке?
   Художник не рассказывает нам об этом. Он хочет, чтобы мы вместе с ним любовались красотой вещей, игрой и блеском вина в бокале, отражением в тарелке ножки вазы, складками накрахмаленного полотна.
   Художники того времени часто рисовали такие картины – "натюрморты". Слово это в переводе означает "неживая природа".
   Они любили также рисовать сценки на простой, будничной жизни. Им казалась интересной и замечательной сама жизнь даже тогда, когда не случается никаких необыкновенных происшествий.

   Ян Вермеер Дельфтский. Девушка, читающая письмо. 1657

   Посмотрите на картину Яна Вермеера Дельфтского "Девушка, читающая письмо". Художник словно прикоснулся волшебной палочкой к стене дома, стена вдруг стала прозрачной, и мы видим кусочек жизни.
   Обыкновенная комната в доме зажиточного горожанина, и обыкновенная девушка у окна читает какое-то письмо... Как внимательно, как подробно рисует Вермеер эту комнату! И самое главное, самое удивительное в этой картине – свет, идущий из окна, освещающий и девушку, и бледно-зелёную драпировку, и красную портьеру, и разноцветный восточный ковёр. Свет играет на платье девушки; освещенное её лицо отражается в оконном стекле. Воздух в комнате полон этим светом. Вермеер словно говорит: как всё красиво при свете дня – и люди, и вещи, и сама жизнь!
   С такой же правдивостью показывает другой голландским живописец, Адриан ван Остаде, мастерскую художника с царящим в ней рабочим беспорядком.Адриан ван Остаде. Мастерская художника.
   Особняком среди голландских живописцев семнадцатого века стоит Рембрандт ван Рейн. Это был величайший художник. Как и Рафаэля, весь мир знает его просто по имени. Судьба этого великого художника была трагичной. Голландские бюргеры, богатые купцы, в чьих руках была власть и деньги, не поняли, не оценили великого искусства Рембрандта. Жизнь его была трудной и скорбной, умер он в одиночестве.
   Рембрандт показывал в своих картинах страдания людей, нищету, голод, тяжёлую борьбу человека с жизнью, и, конечно, это не могло нравиться сытым, самодовольным голландским бюргерам. В каждом его произведении – глубокое и чаще всего трагическое содержание. Каждый портрет, созданный им,передаёт характер человека и его чувства.
   Здесь одно из самых светлых и радостных произведений Рембрандта – портрет его жены Саскии ван Эйленбург. Этот портрет написан незадолго до свадьбы.

   Рембрандт. Портрет Саскии ван Эйленбург. 1633

   Лицо Саскии дышит счастьем, молодостью, радостью жизни. Свет падает сверху, озаряя только нижнюю часть лица. Лоб и глаза в тени, которую отбрасывают поля шляпки. Но и эта тень вся пронизана светом. Свет словно борется с нею, проникая через поля шляпки, отражаясь снизу от светлого платья. Тень искрится и трепещет, и чем дольше смотришь, тем всё более живой и изменчивой кажется она. Так передавать свет и тень, как передавал Рембрандт, не умел ни один художник ни до, ни после, него.
   В те же годы, что и Рембрандт, в соседней с Голландией стране, Фландрии, жил другой знаменитый живописец, Петер Пауль Рубенс. Его жизнь сложилась по-иному. Он добился и признания, и успеха, и богатства, и высокого положения в обществе.
   Петер Пауль Рубенс. Охота на кабана. 1615–1620

Картины его – большие, предназначенные для дворцовых зал, – блещут яркими красками, прекрасными лицами, силой и красотой человеческих тел. Он любил показывать здоровых, – красивых людей, могучих героев, поэтому часто брал сюжеты из древних мифов и сказаний. Сцены в его картинах полны бурного движения. Потому что в движении лучше всего проявляется физическая сила. В картине "Охота на кабана" люди, лошади, собаки увлечены каким-то диким вихрем движения...

   Антони ван Дейк. Портрет воина в латах с красной повязкой. 1625–1627

   У Рубенса было много учеников. Самый талантливый из них – Антони ван Дейк. Он писал замечательные портреты. Здесь помещён "Антони ван Дейк. Портрет воина в латах с красной повязкой". В повороте фигуры, и движении головы чувствуется молодая энергия, сила, отвага. Очертания блестящих лат и мягкие пряди волос теряются в тени. Из-за этого особенно ярко выступает лицо, оно приковывает к себе взгляд зрителя.
   Из испанских картин Дрезденской галереи очень интересна картина Риберы "Святая Инесса".
   По легенде, Инессу обезглавили за то, что она отказалась изменить своей вере. В Испании ещё и в семнадцатом веке была очень сильна власть церкви, религия владела умами людей, и естественно, что художник взял такую тему. Но, пользуясь этой легендой, Рибера показал живую девушку-испанку с возвышенным характером и мужественным сердцем.

   Хусепа Рибера. Святая Инесса. 1641

   Инесса Риберы ещё совсем девочка, ей лет тринадцать–четырнадцать, но она не боится своих палачей. Перед лицом смерти она своим бесстрашием и спокойствием показывает людям, что правда выше всего, что она сильнее силы и жестокости.
   Произведения великих мастеров дают людям неисчерпаемое богатство впечатлений. И когда смотришь прекрасные картины, собранные в Дрезденской галерее, или Эрмитаже, или Лувре, или Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, видишь, сколько великого вдохновенного труда вложено в эти творения.
   В них отражена жизнь народа; они созданы народом и должны принадлежать народу. Немецкие фашисты не смогли их отнять у человечества. Спасённые советскими войсками сокровища снова живут, принося людям радость, укрепляя веру в торжество справедливости, в мощь человеческого гения.